Ocean Kiana (Waabski Memegwans – Papillon Blanc) est une créatrice de mode anishinaabe issue des Premières Nations de Biigtigong Nishnaabeg et Pic Mobert. Profondément attachée à son héritage ojibwé, Ocean allie artisanat traditionnel et mode contemporaine, créant des pièces qui rendent hommage à l'identité et aux récits autochtones. Fondatrice d'Ocean Kiana, elle se spécialise dans les jupes à appliqués, les pantalons à rubans et les vêtements autochtones modernes qui permettent aux femmes d'affirmer leur féminité avec fierté. Les créations d'Ocean reflètent un lien profond avec les perles, les motifs floraux et les enseignements traditionnels anishinaabe. Chaque pièce est un hommage à la résilience et à la beauté de sa culture, et porte en elle une histoire de tradition et d'élégance.

Jamie Okuma est une artiste d'origine Luiseno, Shoshone-Bannock, Wailaki et Okinawa, membre inscrite de la tribu indienne de La Jolla en Californie du Sud, où elle vit et travaille. Artiste depuis toujours, elle crée des pièces uniques, entièrement réalisées à la main, et conçoit également des vêtements de prêt-à-porter. Okuma a débuté ses études en graphisme au Palomar College avant d'intégrer l'Institut des arts amérindiens de Santa Fe. À 18 ans, elle exposait déjà professionnellement et a depuis remporté sept prix « Best in Show » aux marchés indiens de Heard et de Santa Fe – un exploit réalisé par seulement deux autres artistes. Ses œuvres ont été exposées à l'international et figurent dans les collections de grands musées, dont le Metropolitan Museum of Art, le Musée national des Indiens d'Amérique du Smithsonian et le Musée d'art de Denver. En 2023, elle est entrée dans l'histoire en devenant la première Amérindienne admise au Conseil des créateurs de mode américains (CFDA), marquant ainsi un nouveau chapitre dans sa carrière influente.

Je m'appelle Kaija Heitland et je suis une femme d'origine métisse et scandinave vivant sur les terres traditionnelles des tribus Cowichan, sur l'île de Vancouver. J'appartiens à la communauté métisse de la vallée de Cowichan et je pêche, cueille, apprends et enseigne. Mes créations en perles s'inspirent de tous mes peuples d'origine, utilisant la langue des perles métisses et le vocabulaire de ma famille d'Europe du Nord et de Scandinavie pour raconter notre histoire.

Dans mon travail, je m'attache à contrer la violence latérale par le biais de pratiques territoriales, des beaux-arts et de la culture autochtone partagée, en encourageant la réappropriation de soi et la recherche sur les divers liens et appartenances de la communauté métisse à laquelle nous appartenons. Je trouve de la beauté dans l'enseignement de notre musique traditionnelle de violon, devenue une bande sonore unique pour le développement de notre peuple et de notre culture, et je trouve un épanouissement dans le travail culturel que je peux accomplir au sein de ma communauté.

Lauren Good Day est une artiste et créatrice de mode arikara, hidatsa, pieds-noirs et cri des plaines, maintes fois primée. Membre des Trois Tribus affiliées et Indienne inscrite au registre des traités de la Première Nation crie de Sweet Grass, elle a présenté ses œuvres lors de grandes expositions d'art amérindien, notamment au Santa Fe Indian Market et au Heard Museum Market. Ses œuvres figurent dans d'importantes collections comme celles du National Museum of the American Indian et du Heard Museum, et ont été mises en avant dans Vogue, InStyle et le New York Times.

Dévouée à la revitalisation des arts de son peuple, Lauren allie techniques traditionnelles et design moderne. Créatrice d'art amérindien depuis son enfance, elle maîtrise le perlage, la broderie de piquants de porc-épic, le dessin au registre et la mode. Titulaire d'une licence en études autochtones de l'Institut des arts et de la culture amérindiens de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, elle continue de perpétuer les traditions culturelles tout en inspirant les générations futures.

Rosa Scribe est née dans la communauté crie de Norway House, au Manitoba. Artiste à la voix douce et inspirante, elle dégage une force tranquille. Ses œuvres magnifiques et colorées en disent long. Ayant appris l'art du mukluk et de la fabrication de mocassins auprès de sa grand-mère (Kokum), elle a passé les 25 dernières années à perfectionner son art. Enseignante au Collège universitaire du Nord, Rosa travaille sans relâche pour que cet art traditionnel soit transmis aux générations futures et ne soit jamais oublié.

Atheana Picha est une artiste salish de la côte de la Première Nation Kwantlen, dont la grand-mère était originaire de Tsartlip. Gerry Oleman, de la Première Nation St'at'imc, lui a donné le nom de Nash'mene'ta'naht, qui signifie « femme fonceuse ». Née à Vancouver en 1999, elle a grandi et travaille à Richmond, en Colombie-Britannique. Artiste interdisciplinaire, elle travaille principalement avec des techniques bidimensionnelles. Depuis 2019, Atheana suit deux apprentissages : le tissage de la laine salish auprès de la tisserande musqueam Debra Sparrow, et depuis 2018, la gravure sur argent, la sculpture sur bois et la fabrication d'outils auprès de l'artiste et éducateur squamish Aaron Nelson-Moody. Elle s'attache à mettre en valeur le mode de vie salish de la côte en s'inspirant le plus souvent possible des enseignements de ses aînés. Sa pratique s'appuie sur l'apprentissage du design salish par l'étude des pièces anciennes, l'observation de la nature et l'apprentissage auprès de ses aînés et de ses professeurs.

Melissa, une Mi'kmaq de la Première Nation Abegweit, située à Epekwitk (Île-du-Prince-Édouard, Canada), a grandi baignée dans les enseignements culturels et entourée d'une famille de vanniers. Dès son plus jeune âge, elle a exprimé son talent artistique à travers des insignes et des broderies perlées, puis s'est plongée dans la broderie de piquants de porc-épic, un savoir-faire traditionnel des ancêtres de son grand-père maternel. Admise en apprentissage en art de piquants de porc-épic en 2015, Melissa a maîtrisé les techniques d'insertion traditionnelles et étudié les enseignements culturels et les publications historiques. La broderie de piquants de porc-épic consiste à insérer des piquants de porc-épic dans de l'écorce de bouleau, bordée de piquants, de foin d'odeur ou de racines d'épinette. Grâce à son apprentissage, Melissa a appris les protocoles de récolte et la géométrie traditionnelle des motifs, contribuant ainsi à la création d'une communauté de travailleurs qualifiés de la piquant de porc-épic. Elle a fait ses débuts comme artiste professionnelle de piquants de porc-épic en 2019 et ses œuvres ont été exposées dans des galeries partout au Canada et aux États-Unis. Elle continue de récolter des piquants de porc-épic avec sa famille et de former de jeunes artistes de sa communauté.

Pat Bruderer, Femme Demi-Lune, représente la préservation d'un art autochtone très particulier : le mordillement de l'écorce de bouleau. Pat est l'une des rares gardiennes du savoir et praticiennes expertes de cet art autochtone ancestral. Née et élevée à Churchill, au Manitoba, au Canada, elle est d'ascendance crie. Membre de la nation crie Peter Ballantyne, elle est Assin'skowitiniwak ou Cri des Rocheuses. Mère de cinq enfants, fière Kookum de ses petits-enfants, elle réside actuellement en Colombie-Britannique, au Canada. Femme Demi-Lune a toujours été une membre active de la communauté, enseignant l'art, faisant du bénévolat et créant des programmes pour aider les communautés autochtones du Canada.

Madison R. Holler est l'artiste, propriétaire et créatrice de Rubinski Works, une entreprise située en territoire anishinaabe, dans le centre du Minnesota. Elle se spécialise dans le perlage et la création de bijoux uniques. Ses œuvres sont principalement réalisées avec des perles de rocaille en verre et en métal sur fil ; elle utilise des techniques de forge pour créer des composants abstraits en métal précieux pour ses vêtements. Son travail explore les liens entre l'artisanat traditionnel et les pratiques modernes de la joaillerie. Ses collections témoignent des traditions de ses héritages anishinaabe, néerlandais et scandinave communs, en mettant l'accent sur le folklore. Madison possède une formation professionnelle en photographie et en graphisme, ainsi qu'une expérience des beaux-arts tels que la céramique, la gravure, la peinture et l'illustration.

Le nom haïda de Tiffany Vanderhoop est S'idluujaa, qui signifie « Femme aux myrtilles ». Résidant à Aquinnah, dans le Massachusetts, sur l'île de Martha's Vineyard, sa mère est une Haïda du clan de l'Aigle de l'inlet Masset de Gaw Git'ans, originaire d'Old Massett, à Haida Gwaii, en Colombie-Britannique, et son père est Aquinnah Wampanoag, originaire d'Aquinnah, dans le Massachusetts. Aujourd'hui, Tiffany vit et crée sur les terres mêmes où ses ancêtres ont vécu depuis des temps immémoriaux.