Jamie Gentry, de la Nation Kwakwaka’wakw, a grandi imprégnée de culture et entourée d’artistes talentueux. Sa passion de toujours pour les arts—musique, danse, dessin et peinture—l’a naturellement menée au travail manuel par la couture, le perlage et le tissage. La fabrication de mocassins est un moyen de tisser des liens significatifs, encourageant une appréciation plus profonde à la fois pour l’artisan et pour le produit. En valorisant ces liens, les produits sont plus susceptibles d’être chéris et moins susceptibles de finir à la décharge. À travers ce travail, Jamie vise à créer des pièces significatives, à établir des liens et à partager sa culture.

Arianna Lauren est une artiste des Salish de la Côte, originaire des tribus Cowichan, des villages de Xhenipsen et de Samuna. Ayant grandi sur son territoire d'origine en Colombie-Britannique, au Canada, elle réside maintenant sur le territoire des Tiwa du Sud, à Albuquerque, au Nouveau-Mexique. En tant que tatoueuse au bâton et gardienne de plantes médicinales, elle puise son inspiration dans ses terres ancestrales, mêlant des motifs traditionnels à une esthétique contemporaine. Les tatouages d'Arianna célèbrent le lien entre le monde naturel, le cosmos et ses enseignements. Son portfolio est une expression puissante de l'identité Quw'utsun' et un témoignage de la force durable de son peuple. Cet engagement à préserver la tradition est en outre illustré par son rôle de fondatrice de Quw'utsun' Made et de cofondatrice de O Siiem Tatu, où elle soutient et autonomise activement d'autres artistes autochtones.

Ocean Kiana (Waabski Memegwans – Papillon blanc) est une créatrice de mode anishinaabe des Premières Nations de Biigtigong Nishnaabeg et de Pic Mobert. Ancrée dans son héritage ojibwé, Ocean allie l'artisanat traditionnel à la mode contemporaine, créant des pièces qui honorent l'identité et la narration autochtones. En tant que fondatrice d'Ocean Kiana, elle se spécialise dans les jupes appliquées, les pantalons à rubans et les vêtements autochtones modernes qui permettent aux femmes d'embrasser leur féminité avec fierté. Les créations d'Ocean reflètent un lien profond avec le perlage anishinaabe, les motifs floraux et les enseignements traditionnels. Chaque création est un hommage à la résilience et à la beauté de sa culture, garantissant que chaque pièce porte une histoire de tradition et d'élégance.

Jamie Okuma est une artiste luiseña, shoshone-bannock, wailaki et okinawanaise, membre inscrite de la bande d'Indiens La Jolla en Californie du Sud, où elle vit et travaille. Artiste depuis toujours, elle crée des pièces uniques faites à la main tout en concevant des vêtements de prêt-à-porter. Okuma a commencé ses études en design graphique au Palomar College avant de fréquenter l'Institute of American Indian Arts à Santa Fe. À 18 ans, elle exposait déjà professionnellement et a depuis remporté sept prix « Best in Show » aux marchés indiens de Heard et de Santa Fe, l'une des deux seules artistes à l'avoir fait. Son travail a été exposé à l'échelle internationale et fait partie des collections de grands musées, dont le Met, le National Museum of the American Indian du Smithsonian et le Denver Art Museum. En 2023, elle a marqué l'histoire en étant la première Amérindienne à être intronisée au Council of Fashion Designers of America (CFDA), marquant un nouveau chapitre dans sa carrière influente.

« Je m'appelle Kaija Heitland, et je suis une femme d'ascendance métisse et scandinave vivant sur les terres traditionnelles des tribus Cowichan sur l'île de Vancouver, où j'appartiens à la communauté métisse de la vallée de Cowichan et où je pêche, cueille, apprends et enseigne. Le perlage et les motifs que je crée sont inspirés par tous les peuples dont je suis issue, en utilisant le langage du perlage métis et le vocabulaire de ma famille nord-européenne et scandinave pour raconter notre histoire.

Dans mon travail, je me concentre sur la négation de la violence latérale à travers des pratiques basées sur la terre, les beaux-arts et la culture autochtone partagée, encourageant la réappropriation de soi et la recherche sur les divers liens et relations de la communauté métisse à laquelle nous appartenons. Je trouve de la beauté à enseigner notre musique traditionnelle de violon qui a évolué comme une bande-son unique au développement de notre peuple et de notre culture, et de l'épanouissement dans le travail culturel que je suis capable de faire dans ma communauté. »

Lauren Good Day est une artiste et créatrice de mode Arikara, Hidatsa, Blackfeet et Cris des Plaines, lauréate de nombreux prix. Membre inscrite des Three Affiliated Tribes et Indienne traitée enregistrée auprès de la Première Nation Crie de Sweet Grass, elle a présenté son travail lors des plus importants salons d'art amérindien, notamment le Santa Fe Indian Market et le Heard Museum Market. Son art figure dans de grandes collections comme le National Museum of the American Indian et le Heard Museum, et a été mis en lumière dans Vogue, InStyle et The New York Times.

Dédiée à la revitalisation des arts de son peuple, Lauren mêle techniques traditionnelles et design moderne. Elle crée de l'art amérindien depuis son enfance, maîtrisant le perlage, le piquage de plumes, les dessins sur livres de comptes et la mode. Titulaire d'un BA en études autochtones de l'Institute of American Indian Arts and Culture de Santa Fe, Nouveau-Mexique, elle continue de défendre les traditions culturelles tout en inspirant les générations futures.

Rosa Scribe est née dans la communauté crie de Norway House, au Manitoba. Rosa est une artiste très douce et inspirante, dotée d'une force tranquille. Elle s'exprime avec éloquence à travers ses œuvres magnifiques et colorées. Ayant appris l'art de la fabrication des mukluks et des mocassins auprès de sa Kokum (grand-mère), elle a passé les 25 dernières années à perfectionner son art. En tant qu'enseignante à l'University College of the North, Rosa travaille assidûment pour s'assurer que cette forme d'art traditionnel soit transmise aux générations futures et ne soit jamais oubliée.

Atheana Picha est une artiste Salish du littoral de la Première Nation de Kwantlen, et sa grand-mère était de Tsartlip. Atheana a reçu le nom de Nash’mene’ta’naht de Gerry Oleman de la Première Nation de St’at’imc, ce qui se traduit par « femme fonceuse ». Née à Vancouver en 1999, elle a grandi et travaille à Richmond, en Colombie-Britannique. C’est une artiste interdisciplinaire, travaillant principalement dans les médias bidimensionnels. Atheana a fait deux apprentissages pour apprendre le tissage de la laine Salish avec la tisseuse de Musqueam Debra Sparrow depuis 2019, et pour apprendre la gravure sur argent, la sculpture sur bois et la fabrication d’outils avec l’artiste et éducateur de Squamish Aaron Nelson-Moody depuis 2018. Elle s’est concentrée sur la centralisation du mode de vie Salish du littoral en apprenant les enseignements de ses aînés aussi souvent que possible. La pratique d’Atheana est basée sur l’apprentissage de la conception Salish en étudiant les vieilles pièces, en observant la nature et en apprenant de ses aînés et de ses professeurs.

Melissa, une femme Mi'kmaw de la Première Nation d'Abegweit, située sur Epekwitk (Île-du-Prince-Édouard, Canada), a grandi imprégnée d'enseignements culturels et entourée d'une famille de vanniers. Dès son plus jeune âge, elle a exprimé son talent artistique à travers la confection de parures et le perlage, puis s'est plongée dans le piquage de piquants, une compétence traditionnelle des ancêtres de son grand-père maternel. Acceptée en 2015 dans un apprentissage en art du piquant Mi'kmaq, Melissa a maîtrisé les techniques traditionnelles d'insertion et a étudié les enseignements culturels et les publications historiques. Le piquage consiste à insérer des piquants de porc-épic dans de l'écorce de bouleau, bordée de piquants, de foin d'odeur ou de racines d'épinette. Grâce à son apprentissage, Melissa a appris les protocoles de récolte et la géométrie des motifs traditionnels, contribuant par la suite à la création d'une communauté d'artisans experts en piquage. Elle a fait ses débuts en tant qu'artiste professionnelle Mi'kmaq en piquants en 2019, et son travail a été exposé dans des galeries à travers le Canada et les États-Unis. Elle continue à récolter avec sa famille et à former de jeunes artistes dans sa communauté.

Pat Bruderer, Femme Demi-Lune, représente la préservation d'un type très spécial d'art autochtone. Cette forme d'art s'appelle la « morsure d'écorce de bouleau » (Birch Bark Biting) et Pat est l'une des rares détentrices de connaissances et praticiennes expertes de cet art autochtone ancien. Née et élevée à Churchill, au Manitoba, au Canada, elle est d'ascendance crie. Elle est membre de la Nation crie de Peter Ballantyne, qui sont des Assin'skowitiniwak ou Cris des Rocheuses. Mère de cinq enfants, elle est une fière Kookum pour ses petits-enfants et réside actuellement en Colombie-Britannique, au Canada. Femme Demi-Lune a toujours été un membre actif de sa communauté, enseignant l'art, faisant du bénévolat et créant des programmes pour aider les communautés autochtones au Canada.

Madison R. Holler est l'artiste, propriétaire et designer de Rubinski Works, opérant sur le territoire Anishinaabewaki dans le centre du Minnesota. Elle se spécialise dans le perlage et les bijoux uniques. Ses œuvres sont principalement créées avec des perles de rocaille en verre et en métal sur fil ; elle pratique des techniques de forgeage du métal pour construire des composants abstraits en métaux précieux pour ses créations. Le travail de Madison explore le pont entre l'artisanat traditionnel et les pratiques modernes de fabrication de bijoux. Ses collections commentent les traditions de son héritage partagé Anishinaabe, néerlandais et scandinave, avec un accent sur le folklore. Madison a une formation professionnelle en photographie et en design graphique ainsi qu'une expérience dans les pratiques des beaux-arts telles que la céramique, la gravure, la peinture et l'illustration.

Le nom haïda de Tiffany Vanderhoop est S'idluujaa, signifiant « femme canneberge ». Elle réside à Aquinnah, Massachusetts, sur l'île de Martha's Vineyard. Sa mère est haïda du clan de l'Aigle de l'anse de Gaw Git'ans Masset, d'Old Massett, Haida Gwaii, Colombie-Britannique, et son père est wampanoag d'Aquinnah, Massachusetts. Aujourd'hui, Tiffany vit et crée son art sur la même terre où ses ancêtres ont vécu depuis des temps immémoriaux.